Usuario:Nan.P.182/nationalgalley

De Wikipedia, la enciclopedia libre

La National Gallery o Galería Nacional es el principal museo de arte de Londres, situado en la parte norte de Trafalgar Square en la ciudad de Westminster, en Londres central. Fue inaugurada en 1824, tiene una colección de más de 2300 pinturas que datan desde mitad del siglo XIII a 1900.[nota 1]​Exhibe pintura europea de 1250 a 1900, procedente de la colección nacional de arte del Reino Unido. La escultura y las artes decorativas se encuentran en el Victoria and Albert Museum. El Museo Británico exhibe arte antiguo, arte no occidental, grabados y dibujos y el arte contemporáneo está en la Tate Modern. Parte del arte británico lo encontramos en la National Gallery, pero la mayor parte de la colección nacional de arte británico se encuentra en la Tate Britain. La galería es una caridad exenta y un departamento público del de Departamento de Cultura, Media y Deporte.[1]​ Su colección pertenece al público de Inglaterra y la entrada a la colección permanente es libre de costo. Se encuentra entre los más visitados museos de arte en el mundo después del Musée du Louvre, el British Museum, y el Metropolitan Museum of Art.[2]​

A diferencia de museos comparables en el continente Europeo, la Galería Nacional no se formó nacionalizando una colección real de arte. Se creó cuando el gobierno británico compró 38 pinturas de los herederos de John Julius Angerstein, un corredor de seguros y jefe de las artes, en 1824. Después de esa compra inicial, la galería se formó principalmente por sus primeros directores, destaca Sir Charles Lock Eastlake, y por donaciones privadas, las cuales permitieron el tener dos tercios de la colección.[3]​ El resultado de la colección es pequeña en tamaño, a comparación de muchas galerías nacionales europeas, pero enciclopédica en alcance; muchos de los mayores desarrollos en la pintura oeste "de Giotto a Cézanne"[4]​ son representados con importantes trabajos. Se solía decir que esta era una de las pocas galerías nacionales que tenía todas sus obras en exhibición permanente,[5]​ aunque este ya no es el caso.

El presente edificio, el tercero en albergar la Galería Nacional, fue diseñado por William Wilkins de 1832 a 1838. Solo la fachada en Trafalgar Square permanece esencialmente sin cambios desde su época, mientras el edificio se ha ido expandiendo a través de la historia. El edificio de Wilkin fue muchas veces criticado por la debilidad percibida en el diseño y por su falta de espacio; el problema lateral llevó al establecimiento de la Tate Gallery para el arte británico en 1897. El ala The Sainsbury, una extensión del oeste por Robert Venturi y Denise Scott Brown, es un notable ejemplo de la arquitectura Posmodernista en Inglaterra. El actual director de la Galería Nacional es Gabriele Finaldi.

Historia[editar]

El llamado por una Galería Nacional[editar]

Realistic painting of a robed figure, arms extended, standing outside on a small platform among people doing various things such as talking to each other, but most of whom are looking at him.
The Raising of Lazarus por Sebastiano del Piombo, de la colección de John Julius Angerstein. Esta se convirtió en la colección fundadora de la Galería Nacional en 1824. La pintura tiene el número de acceso NG1, convirtiéndola oficialmente en la primera pintura en entrar a la Galería.

El final del siglo XVIII vió la nacionalización de las colecciones reales por Europa. La colección bavaria real (ahora en la Pinacoteca Antigua de Munich) abierta al público en 1779, la de Medici en Florencia en 1789 (como la Galería Uffizi) y el Museo Francés en el Louvre fueron formados gracias a la colección real francesa en 1793.[6]​ Gran Bretaña, sin embargo, no emuló el modelo continental y la colección real británica permanece en posesión de la soberanía hoy en día. En 1777, el gobierno británico tuvo la oportunidad de comprar una colección de arte de estatuto internacional, donde los descendientes de Sir Robert Walpole pusieron su colección en venta. El MP John Wilkes argumentó por el gobierno para comprar este "invaluable tesoro" y sugirió que este fuera alojado en "una galería noble... que debía ser construida en un jardín espacioso del Museo Británico"[7]​ Nada vino de la apelación de Wilke y 20 años después la colección fue comprada en su totalidad por Catherine the Great; ahora se encuentra en el Museo del Hermitage en St Petersburg.

Un plan para adquirir 150 pinturas de la colección de Orleans, la cual fue traída a Londres para venderse en 1798, fracasó, a pesar del interés del Rey y el primer ministro, Pitt the Younger.[8]​ Las veinticinco pinturas de esa colección ahora en la Galería, incluyendo "NG1", llegaron por diversas rutas. En 1799 el comerciante Noel Desenfans ofreció una colección completa al gobierno británico; él y su socio Sir Francis Bourgeois la habían reunido para el rey de Polonia, antes de la Tercera Partición de Polonia en la abolida Independencia de Polonia en 1795 .[6]​ Esta oferta fue rechazada y Bourgeois legó la colección a su antigua escuela, Dulwich College, en su muerte. La colección abrió en la primera galería pública de Inglaterra, Dulwich Picture Gallery, en 1814. El comerciante escocés William Buchanan y otro coleccionista, Joseph Count Truchsess, formaron colecciones de arte como base para una futura colección nacional, pero sus ofertas respectivas (hechas el mismo año, 1803) fueron rechazadas.[6]​

Siguiendo la venta de Walpole sale muchos artistas, incluyendo a James Barry y John Flaxman, habían hecho llamadas para el establecimiento de una Galería Nacional, argumentando que una escuela británica de pintura solo podía sobresalir si tenía acceso al canon europeo de pintura. La British Institution, fundada en 1805 por un grupo de conocedores británicos, trató de dirigir esta situación. Los miembros prestaro obras para exhibiciones que cambiaban anualmente, mientras una escuela de arte tomaba lugar en los meses de verano. Sin embargo, como las pinturas prestadas eran muchas veces mediocres,[9]​ algunos artistas resintieron la institución y la vieron como una oportunidad para que la nobleza subiera el valor de sus viejas pinturas.[10]​ Uno de los miembros fundadores de la institución, Sir George Beaumont, Bt, jugaría más tarde un rol mayor en la fundación de la Galería Nacional, ofreciendo un regalo de 16 pinturas.

En 1823 otra colección de arte mayor estuvo en el mercado, la cual pertenecía al reciente difunto John Julius Angerstein. Angerstein era un banquero nacido en Rusia residente en Londres; su colección constaba de 38 pinturas, incluyendo obras de Raphael y la serie de Casamiento a la moda de Hogarth. El 1 de julio de 1823 George Agar Ellis, un político liberal, propuso a la Cámara de los Comunes (House of Commons) que comprara la colección.[11]​ La apelación fue dada varios ímpetus por la oferta de Beaumont, la cual vino con dos condiciones: que el gobierno comprara la colección de Angerstein y que se encontrara en un edificio adecuado. El inesperado reembolso de una deuda de Austria movió al gobierno a comprar finalmente la colección por £57,000.

Fundación e inicios[editar]

Drawing of a three storied building, seen from the street. Women in long dresses date the picture.
100 Pall Mall, casa de National Gallery de 1824 a 1834.

La Galería Nacional abrió al público el 10 de mayo de 1824, albergada en la antigua casa de Angerstein en el No. 100 de Pall Mall. Las pinturas de Angerstein se unieron en 1826 por aquellas de la colección de Beaumont, y en 1831 por el legado de 35 pinturas del Reverendo William Holwell Carr.[12]​ Inicialmente el conservador de las pinturas, William Seguier, llevaba la carga de manejar la Galería, pero en julio de 1824 parte de su responsabilidad cayo a nuevos miembros de confianza.

La Galería Nacional en Pall Mall era frecuentemente sobrepoblado y caluroso y su diminutivo tamaño en comparación con el Louvre de Paris era la causa de la vergüenza nacional. Pero Agar Ellis, ahora un encargado de la galería, valoraba el sitio por estar "en la misma pasarela de Londres"; esto fue visto como necesario para la Galería para llenar su propósito social.[13]​ El hundimiento en el No. 100 causó que la Galería se moviera brevemente a el No. 105 de Pall Mall, el cual el novelista Anthony Trollope describe como "lúgubre,sin brillo, angosta, mal adaptada para la exhibición de los tesoros que poseía".[13]​ En consecuencia, esto tuvo que ser demolido para abrir un camino a la Terraza Carlton House.[14]​

En 1832 la construcción empezó en un nuevo edificio por William Wilkins en el sitio de King's Mews en Charing Cross, en un área que había sido transformada en los 1820s en Trafalgar Square. La ubicación era significante, entre el adinerado West End y las pareas mas pobres en el este.[15]​ El argumento de que la colección pudiera ser accesada por personas de todas las clases sociales trajo otras preocupaciones, como la contaminación de Londres central o las fallas del edificio de Wilkins, cuando la oportunidad de moverla a South Kensington fue debatido en los 1850s. De acuerdo con la Comisión Parlamentaria de 1857, "La existencia de las imágenes no es el propósito final de la colección, pero los medios solo para dar a las personas una ennoblecedora alegría".[16]​

De 1837 hasta 1868 la Academia Real estaba albergada en el ala este del edificio.

Crecimiento bajo Eastlake y sus sucesores[editar]

Directores de la Galería Nacional
Sir Charles Lock Eastlake 1855–1865
Sir William Boxall 1866–1874
Sir Frederick William Burton 1874–1894
Sir Edward Poynter 1894–1904
Sir Charles Holroyd 1906–1916
Sir Charles Holmes 1916–1928
Sir Augustus Daniel 1929–1933
Sir Kenneth Clark 1934–1945
Sir Philip Hendy 1946–1967
Sir Martin Davies 1968–1973
Sir Michael Levey 1973–1986
Neil MacGregor 1987–2002
Charles Saumarez Smith 2002–2007
Sir Nicholas Penny 2008–2015
Gabriele Finaldi 2015–

Las pinturas del siglo XV y XVI estaban en el centro de la Galería Nacional y por los primeros 30 años de sus existencia las adquisiciones independientes hechas por los encargados eran principalmente obras del alto renacimiento. Su gusto conservador resultó en varias oportunidades perdidas y el manejo de la galería cayó después en completo desorden, con ninguna adquisición hecha entre 1847 y 1850.[17]​ Un reporte crítico de la Cámara de los Comunes en 1851 llamó por una cita del director, cuya autoridad sobrepasaba la de los encargados. Muchos creyeron que la posición iría a el historiador de arte Gustav Friedrich Waagen, de quien la Galería había consultado en previas ocasiones acerca de la luz y la presentación de la colección. Sin embargo, el hombre preferido para el trabajo para la reina Victoria, Prince Albert y el primer ministro, Lord Russell, era el cuidador de pinturas de la Galería, Sir Charles Lock Eastlake, quien era presidente de la real academia, jugando un rol esencial en la fundación de la sociedad de Arundel y conocía a la mayoría de los expertos en el arte de Londres.

The Baptism of Christ de Piero della Francesca, una de las compras de Eastlake.

El gusto del nuevo director era el del temprano renacimiento del norte de Italia (obras "primitivas"), el cual fue negado por la política de adquisición de la Galería pero empezó a tener distinción lentamente por conocedores. Eastlake hizo tours anuales por el continente e Italia particularmente, buscando pinturas apropiadas para comprar para la Galería. Con esto, él compró 148 imágenes en el extranjero y 46 en Inglaterra,[18]​ de las cuales muchos trabajos seminales como la Batalla de San Romano de Paolo Uccello . Eastlake también recolectó una colección de arte privada durante su período, consistiendo de pinturas que sabía no interesaban a los encargados de la Galería. Su última meta, sin embargo, fue que estas entraran a la Galería Nacional; esto fue arreglado posterior a su muerte por su amigo y sucesor como director, William Boxall, y su esposa Lady Eastlake.

La ausencia de espacio en la Galería permanece grave en este periodo. En 1845, un largo legado de las pinturas británicas fue hecho por Robert Vernon; no había suficiente espacio en el edificio de Wilkins así que fueron expuestos primero en la casa de Vernon en el No. 50 de Pall Mall y después en la casa de Marlborough.[19]​ La Galería fue aun más inequipada por su siguiente legado mayor,pues J. M. W. Turner iba a legar el contenido entero de su estudio, exceptuando obras sin terminar, a la nación después de su muerte en 1851. Las primeras 20 de estas fueron expuestas en la casa de Marlborough House en 1856.[20]​ La estipulación del testamento de Turner que dos de sus pinturas debían ser expuestas a lado de obras de Claude[21]​ aún se cumple en la sala 15 de la Galería, pero su legado no ha sido expuesto adecuadamente en su totalidad; hoy sus obras estan divididas entre Trafalgar Square y la Galería de Clore, una pequeña extensión construida a la Galería Tate completada en 1985.

El tercer director, Sir Frederick William Burton, presentó la fundación de la colección del arte del siglo XVIII e hizo varias compras sobresalientes de la colecciones privadas inglesas. La adquisición en 1885 de dos pinturas del Palacio de Blenheim, Ansidei Madonna de Rafael y Van Dyck's Equestrian Portrait of Charles I, con un record de £87,500 del Tesorero, llevó a la Galería a la "época oro de coleccionar" a un fin, mientras el presupuesto anual de compras fue suspendido por varios años.[22]​ Cuando la Galería compró Ambassadors de Holbein del Earl of Radnor en 1890, lo hizó con la ayuda de individuos privados por la primera vez en la historia.[23]​ En 1897 la formación de la Galería Nacional del Arte Británico, conocido no oficialmente desde el inicio en su historia como la Galería Tate, permitió que algunas obras británicas se movieran de sitio, siguiendo el precedente impuesto por la colección de Vernon y el legado de Turner. Obras de artistas nacidos después de 1790 fueron movidas a la nueva galería en Millbank, lo que permitió que Hogarth, Turner y Constable permanecieran en Trafalgar Square.

Principios del Siglo XX[editar]

Realistic painting of a nude woman seen from behind, reclining on a couch. She is looking at her reflection in a mirror held by a winged child.
Venus at her Mirror (The Rokeby Venus) por Diego Velázquez.

La crisis de agricultura a principios del siglo XX causó que muchas familias aristócratas vendieran sus pinturas, pero las colecciones nacionales británicas fueron puestos fuera de precio por el mercado por los plutócratas norteamericanos.[24]​ Esto provocó la fundación de la Fundación Nacional de Colecciones de Arte, una sociedad de suscritores dedicados a detener el flujo de obras de arte a Estados Unidos. Su primera adquisición para la Galería Nacional fue Rokeby Venus de Velázquez in 1906, seguido del Portarretrato de Christina de Dinamarca de Holbein en 1909. Sin embargo, a pesar de la crisis de las fortunas aristocrátas, la siguiente década fue una de varios grandes legados de colectores privados. En 1909 el industrialista Dr Ludwig Mond dió 42 pinturas italianas renacentistas, incluyendo la Mond Crucifixion de Raphael, a la Galería.[25]​ Otros legados importantes fueron aquellos de George Salting en 1910, Austen Henry Layard en 1916 y Sir Hugh Lane en 1917; el último de estos fue uno de los legados más controversiales de la Galería.

En un raro ejemplo de protesta política donde Trafalgar Square es famoso, ocurriendo en la Galería Nacional, Roke by Venus fue dañada el 10 de Marzo de 1914 por Mary Richardson, una protestante por el sufragio de la mujer, en protesta en contra del arresto de Emmeline Pankhurst el día previo. Después ese mes otro sufragio ataco cinco Bellinis, causando que Galería cerrara hasta el inicio de la Primer Guerra Mundial, donde la union social y política de la Mujer llamaron a un fin de los actos violentos para llamar la atención a sus causas.[26]​

La recepción del arte impresionista en la Galería tuvo un excepcional tormentoso inicio. En 1906, Sir Hugh Lane prometió 39 pinturas, incluyendo las Umbrellas de Renoir, a la Galería Nacional en su muerte, a menos que un edificio adecuado fuera construido en Dublin. Aunque ansiosamente aceptado por el director Charles Holroyd, fueron recibidos con extrema hostilidad por los encargados; Lord Redesdale escribió que "Yo espero pronto escuchar de un servicio Mormon siendo conducido en la Catedral de San Pablo para ver la exhibición de las obras de los rebeldes del arte moderno francés en precintos sagrados de Trafalgar Square".[27]​ Tal vez como resultado de tales actitudes, Lane Perhaps as a result of such attitudes, Lane enmendo su testamente con un codicilio de que las obras solo debían ir a Irlanda, pero creucialmente esto nunca fue visto.[28]​ Lane murió a bordo de RMS Lusitania en 1915, y una disputa empezó que no se resolvió hasta 1959. Parte de la colección esta ahora en permanente préstamo a la Galería de Dublin y otras obras rotaron entre Londres y Dublin cada pocos años.

Una colecta para la compra de pinturas modernistas establecida por Samuel Courtauld en 1923 compró Bathers at Asnières de Seurat y otras notables obras modernas por la nación;[29]​ en 1934 esto se transfirió de la Galería Nacional al Tate.

Segunda Guerra Mundial[editar]

Pinturas siendo evacuadas de la Galería Nacional durante la Segunda Guerra Mundial.

Poco tiempo antes del inicio de la Segunda Guerra Mundial, las pinturas fueron evacuadas por varias ubicaciones en Wales, incluyendo Penrhyn Castle y los colegios universitarios de Bangor y Aberystwyth.[30]​ En 1940, mientras la Batalla de Francia bramaba, un hogar más seguro fue buscado y hubo discusiones sobre mover las pinturas a Cánada. Esta idea fue firmemente negada por Winston Churchill, quien escribió en un telegrama al director Kenneth Clark, “entiérralas en cavernas o celdas, pero ninguna pintura debe dejar estas islas”.[31]​ En lugar una cantera de pizarra en Manod, cerca de Blaenau Ffestiniog en el Norte de Wales, fue requisado por el uso de la Galería. En la seclusión para la nueva ubicación de las pinturas, el encargado (y futuro director) Martin Davies empezó a compilar catálogos escolares en la colección, ayudado por el hecho de que la librería de la Galería estaba guardada con la colección. La mudanza a Manod confirmó la importancia de guardar las pinturas a una temperatura y humedad constante, algo que los conservadores de la Galería habían sospechado pero no habían podido probar.[32]​ Esto eventualmente resultó en la primera galería con aire acondicionado en 1949.[19]​

Por el transcurso de la guerra Myra Hess,y otros músicos, como Moura Lympany, dieron recitales en el almuerzo en el vacío edificio, para levantar la moral en el tiempo donde toda sala de concierto en Londres estaba cerrada.[33]​ Un número de exhibiciones de arte fueron puestas en la Galería como complemento de los recitales. La primera de estas fue Pintura británica desde Whistler en 1940, organizada por Lillian Browse,[34]​ quien también montó la más grande retrospectiva conjunta Exhibición de Pinturas por Sir William Nicholson y Jack B. Yeats colocada desde el primero de enero – 15 de marzo de1942, la cual fue vista por 10,518 visitantes.[35]​[36]​ Exhibiciones de obras de artistas de guerra, incluyendo a Paul Nash, Henry Moore y Stanley Spencer, fueron también colocadas; el Comité del Consejo de Artistas de Guerra fueron puestas por Clark en orden de "mantener los artistas en el trabajo por cualquier pretexto".[37]​ En 1941 una solictud de un artista para ver el Portarretrato de Margaretha de Geer de Rembrandt (una nueva adquisición) resultando en el tema de la "Pintura del Mes" , donde una sola pintura era removida de Manod y exhibida al público en general en la Galería Nacional cada mes. El arte crítico Herbert Read, escribiendo este año, llamando la Galería Nacional "un puesto desafiante de la cultura en la mitad de una metropolis bombeada y a pedazos".[38]​ Las pinturas regresaron a Trafalgar Square en 1945.

Desarrollo Post-guerra[editar]

Painting of a man happening upon a group of nude women, bathing in a grotto-like space.
Del autor Titian,Diana and Actaeon, comprada en 2008, en conjunto con National Gallery of Scotland
Painting of two groups of mostly nude women; on the right, the goddess Diana points accusingly at a woman in the left group who lies on the floor in a state of distress.
Diana and Callistode Titan, comprada en 2012, en conjunto con National Gallery of Scotland

En los años posteriores a la guerra, las adquisiciones se convirtieron increíblemente difíciles para la Galería Nacional mientras los precios por viejas obras –y aún más por las impresionistas y posmodernistas – habían subido más allá de sus medios. Una de las compras más significantes de la Galería en este período serían imposibles sin el mayor interés público en ese entonces, incluyendo The Virgin and Child with St. Anne and St. John the Baptist de Leonardo da Vinci (comprado en 1962) y Titian’s Death of Actaeon (1972). La compra de la galería garantizada por el gobierno fue congelada en 1985, pero después ese año recibió una dotación de £50 millones de Sir Paul Getty, permitiendo compras mayores.[19]​ En Abril de 1985 Lord Sainsbury of Preston Candover y sus hermanos, el Hon. Simon Sainsbury y Sir Timothy Sainsbury, hicieron una donación que pudo permitir la construcción del ala de Sainsbury.[39]​

El cargo de director de Neil MacGregor vió una mayor recolocación en la Galería, dependiendo de la clasificación de pinturas por la escuela nacional que había sido introducida por Eastlake. Una nueva colocación cronológica buscada en enfatizar la interacción entre culturas en lugar de características fijas nacionales, reflejando el cambio en los valores históricos desde el siglo XIX.[40]​ Sin embargo, los gustos Victorianos fueron rehabilitados: los interiores del edificio ya no eran considerados penosos y fueron restaurados y en 1999 la Galería aceptó el legado de 26 pinturas italianas barrocas de Sir Denis Mahon. A principios del siglo XX muchos consideraban el barroco lejos de los límites: en 1945 los encargados de la Galería declinaron comprar un Guercino de la colección de Mahon por £200. La misma pintura fue valuada por £4 millones en 2003.[41]​ El legado de Mahon se dio con la condición de que la Galería jamás quitaría ninguna de las pinturas o cobraría admisión.[42]​

Artistas asociados
Paula Rego 1989–1990
Ken Kiff 1991–1993
Peter Blake 1994–1996
Ana Maria Pacheco 1997–1999
Ron Mueck 2000–2002
John Virtue 2003–2005
Alison Watt 2006–2008
Michael Landy 2009–2013

Desde 1989, la galería tenía un programa en el que daba un estudio a artistas contemporáneos para crear un trabajo basado en la colección permanente. Ellos usualmente mantenían la posición del artista asociado por dos años y tenían una exhibición en la Galería Nacional al final de su ocupación.

Las respectivas competencias de la Galería Nacional y del Tate, las cuales habían sido contestadas por las dos instituciones, fueron más claramente definidas en 1996. 1900 fue establecido como el punto cortante de las pinturas en la Galería Nacional y en 1997 mas de 60 post-1900 pinturas de la colección fueron dadas al Tate en un préstamo de largo tiempo, en cambio de obras por Gauguin y otros. Sin embargo, la futura expansión de la Galería Nacional pudieron haber visto el regreso de las pinturas del siglo XX a sus paredes.[43]​

En el siglo XXI, existían tres largas campañas de recaudación en la Galería: en 2004, para comprar Madonna of the Pinks de Rafael, en 2008, por Diana and Actaeon de Titian y en 2012, Diana and Callisto de Titian. Amas obras de Titian fueron compradas en tándem con la Galería Nacional de Escocia por £95 m. Ambos de estas obras mayores fueron vendidas por la famosa collección del Duque de Sutherland. La Galería Nacional es ahora valuada lejos del mercado de pinturas antiguas y puede solo obtener esas adquisiciones con el mayor interés del público; el director saliente Charles Saumarez Smith expresó su frustración ante esta situación en 2007.[44]​

En 2014, la Galería Nacional fue el tema del documental por Frederick Wiseman. La película muestra la administración de la galería y los trbajadores, el laboratorio de conservación, tours docentes y como se montaban las exhibiciones de Leonardo Da Vinci, J. M. W. Turner y Titian en 2011–2012.[45]​

Arquitectura[editar]

Edificio de William Wilkins[editar]

La primera sugerencia de la Galería Nacional en Trafalgar Square vino de John Nash, quien proyectó esto en el sitio de King's Mews, mientras un edificio parecido al Parthenon para la Real Academia ocupaba el centro de la plaza.[46]​ La recesión económica previno que esta idea se construyera pero una competencia por el sitio de Mews tenía lugar en 1831, donde Nash publicó un diseño con C. R. Cockerell como su co-arquitecto. La popularidad de Nash era grande en esa época, sin embargo, la comisión fue dada a William Wilkins, quien se involucró en la selección del sitio y subío algunos dinujos en el último momento.[47]​ Wilkins esperaba construir un "Templo de las Artes, nutriendo el arte contemporáneo a través de un histórico ejemplo",[48]​ pero la comisión fue opacada por el parsimonio y compromiso resultando una construcción destinada al fracaso en todas sus áreas.

The piano nobile and ground floor of Wilkins's building, before expansion. Note the passageways behind the east and west porticoes. Areas shaded in pink were used by the Royal Academy until 1868.

El sitio solo permitía por una construcción que fuera una profunda sala, y un taller y un cuartel fueron puestos detrás. [nota 2]​Para exacerbar los asuntos, existía un derecho público a través del sitio de estos edificios, lo cual permitía acceso por pórticos en el lado este y oeste de la fachada. Esto tuvo que incorporar columnas de la demolida Casa Carlton y el resultado corto en la elevación que fue excesivamente baja, y un lejano intento del punto focal que se deseaba al final del lado norte. También reciclados eran las esculturas de la fachada, originalmente para el arco de mármol de Nasch pero abandonado debido a sus problemas financieros. [nota 3]​ La mitad del este del edificio albergaba la Academia Real hasta 1868, la cual disminuyó el espacio otorgado a la Galería.

El edificio era objeto del ridículo público antes de que fuera completo, así como una versión del diseño que había sido publicado por la Gaceta Literaria en 1833.[49]​ Dos años antes de su completación, su infama elevación en olla apareció en la pieza frontal de Contrasts (1836), un tratado influencial por A. W. N. Pugin, como un ejemplo de la degeneración del estilo clásico.[50]​ Hasta William IV (en su última expresión grabada) pensó que el edificio era un "hoyo horrible",[51]​ mientras William Makepeace Thackeray lo llamaba "una pequeña tienda de ginebra de un edificio".[51]​ El historiador arquitectónico del siglo XX, Sir John Summerson, hizo incapie en estas críticas tempranas cuando comparó el arreglo de la cúpula y dos diminutivas torretas en la línea de techo a "el reloj y vasos de un mantel, solo menos útiles".[47]​ El paisajismo de Trafalgar Square de 1840 de Sir Charles Barry, incluía una terraza al norte para que el edificio pareciera levantarse, respondiendo a uno de los puntos de queja.[14]​ Opiniones en el edificio han cambiado considerablemente por 1984, cuando el Príncipe de Wales llamando la fachada de Wilkins una "amada y elegante amiga", en contraste a la expuesta extensión. (See below)

Alteración y expansión (Pennethorne, Barry y Taylor)[editar]

The Barry Rooms (1872–76), designed by Edward Middleton Barry.
Dome over the room 36 (Barry Rooms).

La primera alteración significante hecha al edificio fue una gran galería agregada por Sir James Pennethorne en 1860–1. Decorada ornamentalmente en comparación con las salas de Wilkins, no obstante rompió las condiciones de hacinamiento dentro del edificio ya que fue construida sobre el pasillo de la entrada original.[52]​ No sorprendentemente, muchos intentos fueron hecho para remodelar completamente la Galería Nacional (como sugerida por Sir Charles Barry en 1853) o para moverla a espacios más capaces en Kensington, donde el aire era también más limpio. En 1867 el hijo de Barry Edward Middleton Barry propuso reemplazar el edificio de Wilkins con un edificio masivo clásico con cuatro cúpulas. El tema era un fracaso y críticas contemporáneas denunciaban el exterior "como un fuerte plagio a la Catedral de San Pablo".[53]​

Con la demolición del taller, sin embargo, Barry fue capaz de construir la primer secuencia de la Galeria de grandes espacios arquitectónicos de 1872 a 1876. Construida como un policromo neo renasentista, las salas de Barry estaban ordenadas en un plano de cruz griegarodeando un octágono central. Aunque compensaba la arquitectura del edifcio de Wilkin, la nueva ala de Barry no era del agrado de los trbajadores de la Galeríam, quienes consideraban que su monumental aspecto estaba en conflicto con la función del espacio de exhibición. También, el programa decorativo de las salas no tomaba los contenidos de la galería; por ejemplo, el techo de la galería italiana del siglo XV y XVI, estaba inscrito con los nombres de artistas británicos del siglo XIX.[54]​ Aunque tenía esas fallas, las salas de Barry proveían una Galería con una fuerte planta baja. Esto fue toomado para las adiciones subsecuentes a la galería, resultando en la creación de un edificio con clara simetría.

The Staircase Hall, designed by Sir John Taylor in 1884–7.

La galería de Pennethorne fue demolida para la siguiente fase del edificio,un tema de Sir John Taylor extendió las salas norte de la entrada principal. El vestíbulo con cúpula de vidrio tenía pintadas decoraciones en el techo por la firma de la familia Crace quienes habían trabajado en las salas de Barry. Un fresco destinado a una pared sur nunca fue realizada y el espacio es ahora tomado por la pintura de Frederic, Lord Leighton: Cimabue's Celebrated Madonna carried in Procession through the Streets of Florence (1853–55), prestada por la Real Colección en los 1990s.[55]​

Siglo XX: modernización versus restauración[editar]

Dome of the entrance hall.
The Awakening of the Muses (1933), un mosaico por Boris Anrep.

Adiciones posteriores al oeste llegaron más rectas pero mantenían coherencia con el edificio, poniendo con simetría el plano de Barry al este. El uso de mármol negro para los marcos de las puertas, continuaron, dando a las extensiones un grado de consistencia con las salas antiguas. El estilo clásico fue usado en la galería Nacional en 1929, cuando el estilo Beaux-Arts era construido, fundado por el comerciante de arte y encargado Lord Duveen. Sin embargo, no había sido antes de la llegada del siglo XX que empezaron reacciones hacia la acitud de Vicoria, manifestándose en la Galería. Desde 1928 a 1952, el piso de la entrada estaban pegados con una nueva serie de mosaicos por Boris Anrep, quien era amigo del grupo Bloomsbury. Estos mosaicos pueden leerse como una sátira del siglo XIX por la decoración de los edificios públicos, como dicho por el memorial de Alberti Frieze of Parnassus .[56]​ El mosaico central muestra El despetar de Los Museos incluyendo retratos de Virginia Woolf y Greta Garbo, subvirtiendo el tono de la alta moral por los victorianos antepasados, En lugar de las siete virtudes del cristianismo, Anrep ofreció su propio set de virtudes Modernas, incluyendo "Humor" y "Mente Abierta"; las figuras alegóricas son retratadas en sus contemporarios, incluyendo a Winston Churchill, Bertrand Russell y T. S. Eliot.[57]​

En el siglo XX los interiores de la Galería victoriana cayeron fuera de la moda.[58]​ Las decoraciones del techo en el pasillo de la entrada no eran del gusto del director Charles Holmes, y fue obliterado por pintura blanca.[59]​Las galerías del Norte, que abrieron al público en 1975, marcaron la llegada de la arcquitectura modernista en la Galería Nacional. En las habitaciones más viejas, los detalles clásicos principales fueron enfrentados por particiones y techos suspendidos, teniendo como objetivo crear arreglos neutrales qye no distrajeran la vista de las pinturas. Pero el compromiso de la Galería con el modernismo vivió poco; el estilo victoriano de 1980 ya no era considerado anathema y el programa de restauración empezó a almacenar los interiores del siglo XIX y XX a u apariencia original. sto empezó con reamoblar las salas Barry en 1985–6. De 1996 a 1999 las Galerías del Norte, consideradas en ese momento carecedoras de características arquitectónicas, fueron remodeladas en estilo clásico, un estilo más simplificado.[42]​

Ala Sainsbury y adiciones posteriores[editar]

See adjacent text.
The Sainsbury Wing, como se construyó, vista desde Trafalgar Square

La más importante adición al edificio en años recientes fue el ala de Sainsbury, diseñada por el postmodernista arquitecto Robert Venturi y Denise Scott Brown que albergaba la colección de arte renacentista construida en 1991. El edificio ocupa el sitio "Hampton" al oeste del edificio, donde una tienda departamental del mismo nombre estaba hasta su destrucción por el Blitz. a galería buscó expansión en espacio[cita requerida] y en 1982 una competencia tomó lugar para encontrar el arquitecto adecuado; la lista incluía propuestas radicales de alta tecnología de Richard Rogers, entre otras. El diseño que ganó fue el más votado, de la firma Ahrends, Burton and Koralek, quienes modificaron propuesta para incluir una torre, similar a la propuesta de Roger. La propuesta se dejó después de que el Príncipe de Wales comparara el diseño con un "monstruoso grano en la cara de un querido y elegante amigo",[60]​ El término "grano monstruoso", para un edificio moderno que llega a un entorno , se ha convertido en común.[61]​[62]​

Una de las condiciones de la competencia de 1982 era que la nueva ala tuviera incluida oficinas comerciales al igual que espacio público de galería. Sin embargo, en 1985 se hizo posible dedicar la ampliación completamente a los usos de la Galería, debido a una donación de casi £50 millones de Lord Sainsbury y sus hermanos Simon y Sir Tim Sainsbury. Una competencia cerrada tomó lugar y los temas producidos fueron más restringidos que la competencia pasada.

Principal entrada del ala Sainsbury

En contraste con la rica ornamentación del edificio principal, las galerías en el ala Sainsbury Wing estan emparejadas y son íntimas, para contrastar con la pequeña escala de muchas pintura.[cita requerida] Las principales inspiraciones para estas salas eran las galerías de Sir John Soane para la Dulwich Picture Gallery y el interior de la iglesia de Filippo Brunelleschi (el revestimiento de piedra está en pietra serena, la piedra gris local de Florencia)[cita requerida] . lLas galerías norte alineadas con el eje central de Barry, para que existiera una sola vista en el interior de la Galería. Este eje es exagerado por el uso de la perspectiva falsa, ya que las columnas flanqueando el espacio se abrían gradualmente en tamaño hasta que el visitor alcanzaba el punto focal (en 2009), una pieza de Cima deThe Incredulity of St Thomas. El acercamiento posmodernista de Venturi a la arquitectura esta completamente evidenciado en el ala Sainsbury Wing, con las características de estilo de edificios como en el club de casas en Pall Mall, la escala Regia en el vaticano, las casas victorianas y los templos Antiguos de Egipto.

Siguiendo la peatonalización de Trafalgar Square, la Galería se encuentra comprometida con un plan para convertir las oficinas desocupadas en la planta baja en espacio público. Este plan también llenaría el desuso de los jardínes y haría uso de la tierra adquirida de la adjunta Galería Nacional de Portarretratos en St Martin's Place, que dió a la Galería Nacional en intercambio por la tierra de su 2000 extensión. La primera fase, el proyecto del ala este diseñado por Jeremy Dixon y Edward Jones, abierto al público en 2004. Esto propició un nuevo nivel de entrada en Trafalgar Square, llamado en honor a Sir Paul Getty. La entrada principal también fue reamoblada y abrió en Septiembre de 2005. Los proyectos posibles futuros incluían un "Proyecto del Ala Oeste" relativamente simétrico con el Proyecto del Ala Este, el cual permitiría una futura entrada en planta baja y abrir espacio público en algunas de las pequeñas salas e el lejano final este del edificio. Esto podría incluir una nueva escalera pública en el final de la fachada este. Aún no se ha anunciado fechas para los proyectos adicionales.

Controversias[editar]

Restauración de Bacchus and Ariadne de 1967 a 1968 Tuvó una controversial restauración debido la tonalidad de la pintura, la cual no tenía balance.[63]​

Una de las críticas más persistentes de la Galería Nacional, aparte de aquellos que la criticaban por su mal funcionamiento arquitectónico,es el de su política de conservación.Los detractores de la Galería la acusaron de tener un acercamiento erróneo a la restauración. La primera operación de limpieza en la Galería Nacional empezó en 1844 después de que Eastlake fuera cuidador, y fue el tema de ataques de la prensa después de que tres pinturas recibieran el tratamiento – una de Rubens, un Cuyp y un Velázquez – fueron revelados al público en 1846.[64]​ La más virulenta crítica a la Galería fue la de Twas J. Morris Moore, quien escribió una serie de cartas a The Times bajo el pseudónimo "Verax" saboteando la limpieza de la institución. Mientras un comité parlamentario de 1853 tomó lugar para investigar a la Galería de actividades erróneas.

Un dibujo de Punch de 1847 por John Leech mostrando la controversia de la restauración.

El más grande reclamo en contra de las técnicas radicales conservadoras en la Galería Nacional fue hace 66 años en los inmediatos años portguerra, siguiendo una campaña de restauración por el Jefe de Restauración Helmut Ruhemann mientras las pinturas estaban en Manod Quarry. Cuando las imágenes limpiadas fueron exhibidas al público en 1946 siguieron un furor con circustancias parecidas a las del siglo pasado. La crítica principal fue la exhaustiva disipación del barniz, que fue usado en el siglo XIX para proteger la superficie de las pinturasque se oscurecieron y decoloraron en el momento, lo cual resultó en la perdida de la harmonía de las pinturas, agregada por los artistas. La oposición a las técnicas de Ruhemann empezaron por Ernst Gombrich, un profesor en el Instituto de Warburg quien después en correspondenciacon un restaurador describió el tratamiento como ofensivo arrogante.[65]​ Una comisión de 1947 concluyó que ningún daño había sido hecho en los recientes tratamientos de limpieza.

George Bellows: Men of the Docks (1912)

La Galería Nacional también ha sido criticada por las pinturas atribuidas erróneamente. La decisión de Kenneth Clark en 1939 de renombrar un grupo de pinturas por artistas anónimos de la escuela de Veneciana así como obras de Giorgione (un artista con poca multitud debido a la rareza de sus pinturas) lo hicieron poco popular entre sus trabajadores. Recientemente, la atribución de una pintura del siglo XVII de Samson and Delilah (comprada en 1980) a Rubens fue contestada por un grupo de historiadores de arte, que creían que la Galería Nacional no había admitido el error de evitar pena a los involucrados en la compra, los cuales aun trabajan en la galería.[66]​

En Febrero de 2014, Men of the Docks, por el artista estadounidense George Bellows, fue comprado por la Galería Nacional por $25.5 million (£15.6 million).Fue la primera pintura mayor Americana comprada por la Galería. El director Nicholas Penny tdió a la pintura una nueva dirección para la galería – una pintura no Europea en estilo europeo. Su venta fue controversial en E.U.A.. [67]​en contra

Colecciones Sobresalientes[editar]

  • Jan van Eyck, The Arnolfini Portrait
    Jan van Eyck,
    The Arnolfini Portrait
  • Leonardo da Vinci, The Virgin of the Rocks
    Leonardo da Vinci,
    The Virgin of the Rocks
  • Hans Holbein, The Ambassadors
    Hans Holbein,
    The Ambassadors
  • J. M. W. Turner, The Fighting Temeraire
    J. M. W. Turner,
    The Fighting Temeraire
  • Vincent van Gogh, Sunflowers
    Vincent van Gogh,
    Sunflowers


Conexiones de Transporte[editar]

Service Station/Stop Lines/Routes served Distance
from National Gallery
London Buses London Buses Trafalgar Square / Charing Cross Station Acceso para discapacitados 24, 29, 176
Trafalgar Square Acceso para discapacitados 6, 9, 13, 15, 23, 139
Trafalgar Square / Charing Cross Station Acceso para discapacitados 3, 12, 88, 159, 453
Trafalgar Square Acceso para discapacitados 3, 6, 12, 13, 15, 23, 88, 139, 159, 453
London Underground London Underground Charing Cross Bakerloo line
Northern line
Embankment Bakerloo line
Circle line
District line
Northern line		 0.3-mile walk[68]​
National Rail National Rail Charing Cross Acceso para discapacitados 0.2-mile walk[69]​

Notas[editar]

  1. ↑ Esculturas y arte aplicado están en el Victoria and Albert Museum, el Museo Británico albergaba antes arte del este, pinturas y dibujos y el arte de fechas posteriores están en Tate Modern. Algunas obras de arte británico están en la Galería Nacional pero la Colección Nacional de Arte Británico esta principalmente en Tate Britain.
  2. ↑ St Martin's Workhouse (en el este) fue vaciada para la construcción de la extensión de E. M. Barry, donde las Barracas de St George se quedaron hasta 1911, supuestamente por la necesidad de tropas e apaciguar disturbios en Trafalgar Square. (Conlin, 2006, p. 401) Wilkins esperaba más espacio hacia el sur, pero fue negado porque un edificio ahi hubiera oscurecido St Martin-in-the-Fields.
  3. ↑ Son los siguientes: sobre la entrada principal, un redondel vacío (originalmente tenía la cara del Duque de Wellington) flanqueado por dos figuras femeninas (personificaciones de Europa y Asia/India, sitios de sus campañas) y un realce en la fachada este, Minerva de John Flaxman .

Referencias[editar]

  1. ↑ «Constitution». The National Gallery. Consultado el 14 March 2010. 
  2. ↑ Top 100 Art Museum Attendance, The Art Newspaper, 2014. Retrieved on 10 July 2014.
  3. ↑ Gentili, 2000, p. 7
  4. ↑ Chilvers, Ian (2003). The Concise Oxford Dictionary of Art and Artists. Oxford Oxford University Press, p. 413. The formula was used by Michael Levey, later the Gallery's eleventh director, for the title of a popular survey of European painting: Levey, Michael (1972). From Giotto to Cézanne: A Concise History of Painting. London: Thames and Hudson
  5. ↑ Potterton, 1977, p. 8
  6. ↑ a b c Taylor, 1999, pp. 29–30
  7. ↑ Moore, Andrew (2 October 1996). «Sir Robert Walpole's pictures in Russia». Magazine Antiques. Archivado desde el original el 16 October 2007. Consultado el 14 October 2007. 
  8. ↑ Penny, 2008, p. 466
  9. ↑ Fullerton, Peter (1979). Some aspects of the early years of the British Institution for Promoting the Fine Arts in the United Kingdom 1805–1825. MA dissertation, Courtauld Institute of Art., p. 37
  10. ↑ Conlin, 2006, p. 45
  11. ↑ Conlin, 2006, p. 51
  12. ↑ Crookham, 2009, p. 43
  13. ↑ a b Taylor, 1999, pp. 36–7
  14. ↑ a b 'Trafalgar Square and the National Gallery', Survey of London: volume 20: St Martin-in-the-Fields, pt III: Trafalgar Square & Neighbourhood (1940), pp. 15–18. Date accessed: 15 December 2009.
  15. ↑ MacGregor, 2004, p. 30
  16. ↑ Quoted in Langmuir, 2005, p. 11
  17. ↑ Robertson, David (2004). "Eastlake, Sir Charles Lock (1793–1865)", Oxford Dictionary of National Biography, Oxford: Oxford University Press.
  18. ↑ Grove Dictionary of Art, Vol. 9, p. 683
  19. ↑ a b c Baker, Christopher and Henry, Tom (2001). "A short history of the National Gallery" in The National Gallery: Complete Illustrated Catalogue. London: National Gallery Company, pp. x–xix
  20. ↑ Crookham, 2012, p. 56
  21. ↑ Smith, 2009, pp. 72–3
  22. ↑ Conlin, 2006, pp. 87–9
  23. ↑ Smith, 2009, p. 93
  24. ↑ Conlin, 2006, p. 107
  25. ↑ The Mond Bequest (Official NG website)
  26. ↑ Spalding, 1998, p. 39
  27. ↑ Quoted in Conlin, 2006, p. 131
  28. ↑ Conlin, 2006, p. 132
  29. ↑ Conlin, 2006, p. 131
  30. ↑ Bosman, 2008, p. 25
  31. ↑ MacGregor, 2004, p. 43
  32. ↑ Bosman, 2008, p. 79
  33. ↑ Bosman, 2008, p. 35
  34. ↑ Farr, Dennis (2006). "Empathy for Art and Artists: Lillian Browse, 1906–2005". Newsletter of the Courtauld Institute of Art, Issue 21: Spring 2006. Accessed March 2012.
  35. ↑ Clark, Sir Kenneth (1942). Exhibition of Paintings by Sir William Nicholson and Jack B. Yeats, exhibition catalogue. London: National Gallery.
  36. ↑ Reed, Patricia (2011). William Nicholson: Catalogue raisonné of the Oil Paintings. London; New Haven: Modern Art Press, Yale University Press. ISBN 978 0 300 17054 2. pp. 636–638
  37. ↑ Bosman, 2008, pp. 91–3
  38. ↑ Bosman, 2008, p. 99
  39. ↑ Conlin, 2006, p. 429
  40. ↑ Conlin, 2006, p. 435
  41. ↑ «Sir Denis Mahon». Cronaca. 23 February 2003. Archivado desde el original el 7 December 2008. Consultado el 8 February 2009. 
  42. ↑ a b Gaskell, 2000, pp. 179–82
  43. ↑ Bailey, Martin (2 November 2005). «National Gallery may start acquiring 20th-century art». The Art Newspaper. Consultado el 14 October 2007. 
  44. ↑ Gayford, Martin (23 April 2007). «Wanted – National Gallery Chief to Muster Cash». Bloomberg. Consultado el 21 March 2009. 
  45. ↑ Dargis, Manohla (4 November 2014). «Framing the Viewers, and the Viewed». New York Times. Consultado el 28 December 2014. 
  46. ↑ Liscombe, 1980, pp. 180–2
  47. ↑ a b Summerson, 1962, pp. 208–9. Summerson's "mantelpiece" comparison inspired the title of Conlin's 2006 history of the Gallery, The Nation's Mantelpiece (op. cit.).
  48. ↑ Grove Dictionary of Art, Vol. 33, p. 192
  49. ↑ Conlin, 2006, p. 60
  50. ↑ Conlin, 2006, p. 367
  51. ↑ a b Smith, 2009, p. 50
  52. ↑ Conlin, 2006, pp. 384–5
  53. ↑ Barker, 1982, pp. 116–7
  54. ↑ Conlin, 2006, p. 396
  55. ↑ Conlin, 2006, p. 399
  56. ↑ Conlin, 2006, pp. 404–5
  57. ↑ Oliver, 2004, p. 54
  58. ↑ See for example National Gallery (corporate author) (1974). The Working of the National Gallery. London: National Gallery Publishing, p. 8: "the National Gallery has suffered from the visual pretentiousness of its 19th century buildings". The modernist North Galleries opened the following year.
  59. ↑ They were restored only in 2005. Jury, Louise (14 June 2004). «A Victorian masterpiece emerges from beneath the whitewash». The Independent. Archivado desde el original el 16 October 2007. Consultado el 14 October 2007. 
  60. ↑ «A speech by HRH The Prince of Wales at the 150th anniversary of the Royal Institute of British Architects (RIBA), Royal Gala Evening at Hampton Court Palace». Consultado el 16 June 2007. 
  61. ↑ «Prince's new architecture blast». BBC News. 21 February 2005. Consultado el 16 June 2007. 
  62. ↑ «No cash for 'highest slum'». BBC News. 9 February 2001. Consultado el 16 June 2007. 
  63. ↑ Bomford, 1997, p. 72
  64. ↑ Bomford, 1997, p. 7
  65. ↑ Walden, 2004, p. 176
  66. ↑ «AfterRubens.org: The Strange Story of the Samson and Delilah». 
  67. ↑ Jaschik, Scott (12 February 2014). "Randolph sale of art to National Gallery sparks criticism". Inside Higher Ed. Archived from the original on 28 December 2014. Retrieved 28 December 2014.
  68. ↑ Walking directions to the National Gallery from Embankment tube station
  69. ↑ Walking directions to the National Gallery from Charing Cross station

Bibliografía[editar]

Barker, Felix; Hyde, Ralph (1982), London As It Might Have Been, London: John Murray .
Bomford, David (1997), Conservation of Paintings, London: National Gallery Company .
Bosman, Suzanne (2008), The National Gallery in Wartime, London: National Gallery Company .
Conlin, Jonathan (2006), The Nation's Mantelpiece: A History of the National Gallery, London: Pallas Athene .
Crookham, Alan (2009), The National Gallery. An Illustrated History, London: National Gallery Company .
Crookham, Alan (2012), «The Turner Bequest at the National Gallery», en Warrell, Ian, ed., Turner Inspired: In the light of Claude, New Haven and London: Yale University Press, pp. 51-65 .
Gaskell, Ivan (2000), Vermeer's Wager: Speculations on Art History, Theory and Art Museums, London: Reaktion .
Gentili, Augusto; Barcham, William; Whiteley, Linda (2000), Paintings in the National Gallery, London: Little, Brown & Co. .
Jencks, Charles (1991), Post-Modern Triumphs in London, London and New York: Academy Editions, St. Martin's Press .
Langmuir, Erika (2005), The National Gallery Companion Guide, London and New Haven: Yale University Press .
Liscombe, R. W. (1980), William Wilkins, 1778–1839, Cambridge: Cambridge University Press .
MacGregor, Neil (2004), «A Pentecost in Trafalgar Square», en Cuno, James, ed., Whose Muse? Art Museums and the Public Trust, Princeton and Cambridge: Princeton University Press and Harvard University Art Museums, pp. 27-49 .
Oliver, Lois (2004), Boris Anrep: The National Gallery Mosaics, London: National Gallery Company .
Penny, Nicholas (2008), National Gallery Catalogues (new series): The Sixteenth Century Italian Paintings, Volume II, Venice 1540–1600, London: National Gallery Publications Ltd, ISBN 1-85709-913-3 .
Pevsner, Nikolaus; Bradley, Simon (2003), The Buildings of England London 6: Westminster, London and New Haven: Yale University Press .
Potterton, Homan (1977), The National Gallery, London, London: Thames & Hudson .
Smith, Charles Saumarez (2009), The National Gallery: A Short History, London: Frances Lincoln Limited .
Spalding, Frances (1998), The Tate: A History, London: Tate Gallery Publishing .
Summerson, John (1962), Georgian London, London: Penguin .
Taylor, Brandon (1999), Art for the Nation: Exhibitions and the London Public, 1747–2001, Manchester: Manchester University Press .
Walden, Sarah (2004), The Ravished Image: An Introduction to the Art of Picture Restoration & Its Risks, London: Gibson Square .
Whitehead, Christopher (2005), The Public Art Museum in Nineteenth Century Britain, Farnham: Ashgate Publishing .

Enlaces Externos[editar]

Obtenido de «https://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Usuario:Nan.P.182/nationalgalley&oldid=99504050»